Инна Вольвак

«Живопись vs. дизайн интерьеров: как совмещать два искусства»

Инна Олеговна Вольвак — московский художник и дизайнер интерьеров, выпускница Строгановской академии. Её творчество посвящено динамичным городским пейзажам и портретам рок-музыкантов, создавая эмоциональную связь между архитектурой, культурой и личным восприятием. Активный участник выставок и член профессиональных союзов художников, Инна успешно совмещает живопись с дизайнерской практикой.

Инна, как вы пришли к живописи? Что повлияло на ваш выбор профессии?

Моя жизнь с самого детства связана с музыкой и рисованием. Взяла в руки карандаши только из-за того, что хотела нарисовать портреты любимых музыкантов. Долго старалась добиться сходства, и это было моими первыми уроками рисунка.
Я рисовала бумажных кукол с лицами любимых музыкантов и делала для них дома с интерьерами. Клеила из бумаги мебель, шила диваны и кресла, даже делала автомобили для них с открывающимися дверцами.
И сейчас, оглянувшись назад, я понимаю, что продолжаю делать то же самое.
Окончив МГХПА им. Строганова по специальности «Дизайн», я связала свою дальнейшую жизнь с дизайном интерьеров. И много лет проектирую квартиры, дома, «расставляю» мебель для своих заказчиков.
Но живопись, конечно, не оставляю.

Ваши работы часто посвящены городскому пейзажу и рок-музыкантам. Почему именно эти темы вас вдохновляют?

Я коренной городской житель, и меня волнует и вдохновляет жизнь города.
Интересно наблюдать, как новые постройки, конструкции и другие сооружения вырастают, контактируют друг с другом и проникают в город, сложившийся веками.
Мне нравится красота ажурных конструкций башенных кранов, структура металлоконструкций строящихся домов. Как они визуально контрастируют и взаимодействуют с природой, с человеком.
Вторая тема — портреты рок-музыкантов. Меня вдохновляет музыка и рок-культура. Благодаря интернету я знакома с некоторыми известными зарубежными рок-исполнителями, под чью музыку мы взрослели и фанатели в 80–90-е. И оказалось, что очень выгодно быть художником. Чтобы выделиться из массы фанатов, достаточно написать портрет музыканта. Это приятный бонус, но я пишу их просто потому, что есть желание и вдохновение на это.

Какой из ваших проектов или картин вы считаете самым личным? Почему?

Моя персональная выставка в Alpert Gallery в 2018 году была для меня очень важной. Я завершила серию портретов рок-музыкантов, которые написала за пять лет, и смогла показать результат своих трудов в замечательном и атмосферном пространстве галереи, расположенной в одном из старинных корпусов, относившихся когда-то к комплексу красных казарм в Лефортово, что придало выставке необходимый брутальный характер.

Вы работаете и маслом, и акрилом. Как выбираете технику для конкретной работы?

Все банально. Если нужно написать работу быстро, например, на заказ, и заказчику не важен материал, то пишу акрилом — он быстро сохнет, можно быстро исправить, можно закончить работу и сразу ее отдать.
Во всех остальных случаях предпочитаю работать маслом.

Как рождается ваша картина? Начинаете с эскизов или пишете сразу на холсте?

Где бы я ни находилась, я замечаю сюжеты для картин: в городе, в метро, на ж/д станции, где угодно. И я всегда фотографирую сюжеты себе в копилку материалов для картин. Из них я выбираю те, что точно должны стать картинами, и складываю их в папки. Когда решаю точно, что именно буду сейчас писать, тогда начинаю работу с материалом. Думаю, как скомпоновать, поменять цвет, добавить что-то, собрать из нескольких сюжетов и т. д.

Как пленэрная живопись отличается для вас от студийной работы?

Это кардинально разные вещи.
Пленэр — это поездки, впечатление от натуры, работа на одном дыхании, и сюжет выбирается из того, что есть. Как правило, это общение с коллегами, это отдых. Хоть пленэр и утомительное занятие — тяжелые рюкзаки, сумки, разные погодные условия, которые влияют на работу и на настроение. И на пленэр я беру небольшой формат холста, до метра. Пленэр — это изучение натуры.
В студии работать удобно, ничего не отвлекает, выставлен свет. Это большой формат, проработанный сюжет, это картина, которую можно писать долго, сколько угодно.

Бывает ли, что картина получается не так, как задумывалось? Как вы к этому относитесь?

У меня такого не бывает. Как задумано — так и сделано, если говорить о студийной картине.
Если о пленэрной, то так бывает. И тут два варианта. Работу оставляю как есть, она долго лежит, потом я на нее смотрю и, как правило, она «вылеживается» и начинает мне нравиться. Если нет, тогда я ее записываю.

Вы совмещаете живопись и дизайн интерьеров. Как одно влияет на другое?

Сейчас эскизы интерьеров называют визуализациями и делают в специальных архитектурных программах, но мы с коллегой, тоже художницей, так и не захотели далеко отходить от «ручной» подачи. Сначала мы строим перспективы помещений на бумаге. Раньше красили эти эскизы акварелью или цветными карандашами, а сейчас перешли раскрашивать в программе Фотошоп. Конечно, полностью «ручные» картинки были намного эффектнее и ценнее, но программа ускоряет и упрощает процесс.
И второе — мы иногда пишем специально картины в интерьеры, которые создаем.

Вы активно участвуете в выставках. Какая из них запомнилась больше всего?

Хочу из последнего отметить выставку-конкурс «Искусство и добро» в Галерее Омельченко, целью которой было выразить ценность добра. Подавали заявки художники со всей страны, и большая честь была пройти отбор жюри на эту выставку.

Как вы выбираете, какие работы показывать публике? Есть ли у вас «невыставленные» картины?

Художник не должен работать «в стол», картины живут исключительно при взаимодействии со зрителем. И нужно участвовать в хороших коллективных выставках, чтобы понимать свой уровень, понимать, как ваша работа взаимодействует с работами других художников и с пространством выставочных залов. Я все работы стараюсь выставлять или афишировать в соцсетях.

Вы курируете выставки. Чем отличается взгляд художника от взгляда куратора?

Это две разные ипостаси. Частное и общее. Работа куратора заключается в разработке концепции выставки, подборе авторов, отборе работ у авторов, общении с художниками, компоновке экспозиции. А также приходится составлять правила подачи — это касается оформления работ, большая проблема — как художники оформляют свои работы, общей организации и т. д. А также это общение.

Как вы относитесь к современным цифровым технологиям в искусстве? Пробовали ли работать в digital-формате?

Я далека от этого. Рисовать в диджитал-формате мне не интересно. Мне важно чувствовать кисть, количество краски на ней, ощущение мазка, отдачу холста, размах, отход и т. д.
Эскизы с помощью ИИ я делала, мне понравилось. Когда заказчик пишет описание желаемой картины по своей специфике, то для накидывания мыслей и образов это удобно.

Что бы вы посоветовали молодым художникам, которые только начинают свой путь?

Выбрать хороший профильный ВУЗ и упорно учиться. Посещать музеи, изучать классиков живописи, читать книги по искусству, ходить на пленэр. И практика, практика.

Галерея