Ирина Бурда
«Когда рисуешь часто, в идеале — ежедневно, работа становится отточенной до автоматизма, появляется осознанность. И тогда труд превращается в удовольствие»
Ирина, вы отдаёте предпочтение пейзажам, нежели портретам и натюрмортам. Почему так сложилось? Что для вас значит природа?
Художественное образование всегда начинается с натюрмортов, плавно переходя в портреты и фигуру человека. Если предметы создают молчаливую историю, то люди наполнены характером и глубиной. Великий дар у людей, способных поймать характер, восхищаюсь ими. Я реалист и понимаю, что мне это не удаётся. Пейзажи обычно задают в домашние задания, как упражнения, но это не менее сложно. Настроение и характер пейзажа меня всегда завораживают. Безусловно, это тоже развивает художника и также является частью обучения. Но меня это манит непостижимостью, неповторимостью момента. Нельзя увидеть два одинаковых рассвета. Даже полдень на море всегда разный. А какие разные бывают горы! Я пробовала повторить этюд — не получилось. Пришла в то же время на то же место на следующий день — а всё другое. Это не видно в мелочах, но ощутимо в состоянии, настроении. Это и притягивает. Видимо потому на природе люди отдыхают, наполняются красотой. Энергия природы питает нас в рабочем ритме.
Все картины написаны с натуры, по большей части на пленэре. Почему?
У каждого региона есть свой колорит, цветовая гамма. Мне нравится передавать тонкости, особенности, ловить настроение, состояние, так, чтобы травы пахли, солнышко жарило, рассвет был прохладным. Передать правдивость на холсте непросто. Кроме того, пленэр — это всегда сложности в виде жары, ветра, внезапного дождя, болтливых прохожих. Но только на улице можно проникнуться настроением. Со временем это переходит в своего рода зависимость. Уже сложно писать с фотографий, не хватает воздуха и жизни вокруг, краски как будто теряют свою насыщенность. Потому я беру палитру, кисти и холсты и лезу в горы. Часто вся поклажа весит 5‒7 кг, но это не останавливает. Радость от удачного этюда восполняет все сложности, о них потом забываешь, а красота передана на холсте, поймана. Это возможность показать завораживающий вид моими глазами.
А есть удачные картины, написанные в помещении?
Конечно, есть, и достаточно много. По большей части они написаны в период студенчества как учебные постановки, и, как правило, у каждой постановки свои учебные задачи. Но их выполнение не всегда меня радует, ведь ставит натюрморт преподаватель по своему замыслу. Задача студента — написать его. Обычно к этим холстам теряю интерес сразу после выставления оценок. Хотя некоторые работы я выставляла на коллективных выставках, например, «Портрет Павла». Натюрморт «Предметы старины» совсем скоро уедет в Музей карельской культуры. Но писать эти сюжеты второй раз не тянет. Есть понимание, что урок усвоен, задача выполнена, оценка выставлена.
В работах вы передаёте состояние природы. Как понять, хорош всё-таки этюд или его следует доработать?
Это очень тонкий момент. Часто на пленэре этюд кажется сырым, недописанным, вялым. Далеко не всегда есть возможность дописать его сразу, ведь освещение меняется. Обычно на всё про всё час-полтора, не больше. Если утро, то солнце начинает припекать, меняется цветовое решение полностью. В горах тоже всё затягивает дымкой. Но, как правило, я не дописываю работы дома. Слишком велик риск испортить. Фото не передаёт многих тонкостей, важных для меня. Заметила, что лучше недосказанность, чем выдумывание неправды. Зрителя не обмануть. Неудачные этюды тоже бывают, это неизбежно. Я не пытаюсь их спасать, пишу новый. Удачный этюд повторяет ощущение восторга и на следующий день. И если, глядя на него, возникает ощущение, схожее на пленэре, видимо, он удался.
Вы нередко участвуете в коллективных выставках. Стиль каких художников вам наиболее близок?
Да, буквально год назад я влилась в водоворот вернисажей. И это тоже своего рода поток энергии. Очень люблю смотреть работы других художников. Отправляя заявку, даже отвозя работу в галерею, никогда не знаешь, какой будет общая экспозиция. Выбор сюжета, композиция, манера письма, детализация, передача цвета и света очень индивидуальны. Это как личный дневник, как исповедь. Один и тот же вид два художника напишут по-разному, так, как они ощутили. Этим-то пленэры и отличаются от фото. Стиль реализма мне всегда был ближе других. Я люблю авангард и абстракцию, но они не так наполняют меня. На выставке обычно бывает общая тема, но только посетив зал, можно увидеть всю глубину и многогранность заданной темы. Кроме того, в зале атмосфера буквально заряжена. Безусловно, это вдохновляет. Художники — народ общительный и позитивный. Мы меняемся контактами и часто следим за чужим творчеством в сети. Нередко можно услышать интересную историю картины от автора, а это дорогого стоит! Я получаю истинное удовольствие от подобного общения.
Сейчас вы осваиваете технику гравюры. Насколько это оказалось сложным?
Скажу честно, всегда сомневалась в своих графических способностях. Длительные постановки опять же упирались в гипс или портрет. Можно отточить навык штриха и перспективы, но научиться передавать нечто неощутимое, что делает графика гениальным — мне не удавалось. Наброски — более живой процесс, очень схожий с этюдами. Конечно, нравится больше. Но на «почеркушках» всё заканчивалось. В этом семестре мы осваивали гравюру в мастерской эстампа. Очень трудоёмкий и увлекательный процесс. Мне он понравился настолько, что буквально проглотил. Голова переполнена идеями и задумками. Сама не поняла, как забросила краски и буквально прилипла к станку. Эта магия новой техники, её тонкости, чарующие возможности. Никогда бы не подумала, но теперь тянет нарабатывать материал для гравюры.
У творческих людей есть спорный вопрос вдохновения. Одни ни за что не будут писать картину, пока не посетит муза. Другие, наоборот, считают, что трудиться нужно здесь и сейчас, ведь вдохновение может и не заглянуть. Вы сторонник какой позиции?
Обучение в художественном училище и вузе искореняют понятие «вдохновение» и заменяют его необходимостью. Я верю в то, что количество закономерно улучшает качество. А постоянно рисовать художнику необходимо, это как музыканту играть гаммы, а танцору повторять комбинации. Форма как навык теряется быстро. Забывается материал, теряется пластика, линии, да что там говорить — забываешь замесы красок. Когда рисуешь часто, в идеале — ежедневно, работа становится отточенной до автоматизма, появляется осознанность. И тогда труд превращается в удовольствие. Скажу точно: рисовать от случая к случаю может только большой мастер, у которого не просто годы ежедневной работы, а десятки лет. Но как раз они уже не могут не рисовать. Не всегда картину, но хоть набросок, хоть этюд, и не один, а сразу парочку. Для них не рисовать — это всё равно, что не дышать.
Вы довольно серьёзно относитесь к оформлению работ. Почему для вас это важно?
Не так давно завела для себя правило не отдавать неоформленную работу даже в дар. Если только не уверена, что человек оформляет к своему интерьеру. Багет, паспарту или просто рама могут как подчеркнуть работу, так и испортить её. Понимание этой простой истины пришло в багетной мастерской. Зачастую самый простой этюд на картоне смотрится интереснее в багете с паспарту, просто преображается. Такого волшебства не бывает в стандартных рамках для фото. Они настолько упрощают, что подчеркнуть могут только графику, где нужна лаконичность. Сама я воспринимаю походы в багетную мастерскую как шопинг. Поверьте, мерить рамочки картинам не менее увлекательно, чем выбирать туфли. Материалов сегодня так много, что разбегаются глаза. Итог выбора виден в галерее. Как раз экспозиция отображает отношение художника к своей работе. Часто картину хочется «переодеть» поприличнее, настолько она хороша.
В ваших планах серия форматных этюдов Кисловодского национального парка и окрестностей города. Какие воспоминания у вас вызывает эта местность?
В Кисловодске я выросла, а прогулки в парке были обязательными в выходные дни. Тогда ещё училась в художественной школе и мало рисовала вне класса, больше напитывалась красотой во время походов в горы. Их я видела во все времена года и в любую погоду. Наверно, тогда и поняла всё разнообразие пейзажа. Прошлым летом писала небольшие этюды, не больше альбомного листа, и только к концу отпуска осмелилась взять формат на пленэр. Очень понравилось. Ощутила свободу и широту. Берёзовая балка и Баран-гора как раз написаны на относительно больших холстах 30х50 см. Опять же на выставках поняла, что это средний формат и не нужно бояться. У многих художников есть блок перехода от маленьких этюдиков на холсты. Преодолеть его непросто. Буду стремиться.
Что для вас значит живопись?
Непростой вопрос. Пока училась, живопись была просто заданием, учебной дисциплиной. Писала этюды, потому что был список домашних работ. После окончания художественного училища бросила писать. Сначала был вакуум, потому что больше некому показывать работы ради оценки. Никому не интересно, рисуешь ты или нет. Работа, семья отодвинули творчество настолько далеко, что почти уснул во мне художник летаргическим сном. Но мечта о высшем художественном образовании не давала покоя. Это момент, когда и работа есть, и зарплата устраивает, и семья, а чего-то не хватает. Видимо, стадия дозревания шла полным ходом. Жизнь в Санкт-Петербурге наполнена театрами, музеями и искусством, практически любой вид вдохновляет. Сейчас, оканчивая университет, я просто не представляю себя без живописи. Хотя нет, возможно и без графики. Уже давно рисую не ради оценки в зачётку, строго по заданиям, а потому, что не могу не писать. Просто не представляю себя без творчества. Пользуясь тем, что нас учат состоявшиеся художники, приношу этюды сумками, разбираем недочёты, ищем вместе идеи решения задач, но уже на другом, сознательном витке развития. Самое интересное, что нет двух одинаковых мнений. Каждый преподаватель находит сильное в одном и советует доработать другое. Я слушаю всех, впитываю. Но видение предмета «живопись» стало иным. Один и тот же цвет тёплый относительно одного и холодный относительно другого. Взаимодействие цветов на холсте превратилось в философию жизни. Это часть жизни. Конечно, очень важна поддержка близких. Радует, что и они видят меня исключительно в творчестве.
Галерея
