Юлиана Мальцева

«Для меня искусство — это когда душа откликается»

Юлиана Мальцева — петербургский художник-акварелист, дизайнер и создатель бренда профессиональных кистей BelkaBrush. Её творческий путь начался с художественной школы и университета, но настоящее погружение в акварель произошло после 10 лет работы в дизайне. Юлиана — член Союза художников Санкт-Петербурга и Союза акварелистов Сибири, участница российских и международных выставок, включая престижную Fabriano acquarello в Италии, а также основатель проекта «Виртуальный пленэр». В своём творчестве она отдаёт предпочтение натюрмортам, цветам и пейзажам, черпая вдохновение в поездках в Старую Руссу.

Юлиана, что для вас значит искусство, и какие чувства вы хотите оставить в душе зрителей через свои работы?

Для меня искусство – это когда художник необязательно художник. Да, любое искусство – это то, что оставляет след в душе созерцателя, именно когда душа откликается на искусство. И даже порой не так уж важно, как она откликается: негативно или позитивно. Важно, что идет внутренний процесс: зарождается диалог. И вот это для меня, пожалуй, самое важное в искусстве.

Любовь к искусству в вас воспитывали с детства. Благодаря кому и чему вы можете твердо сказать: «Я – художник»?

С детства и в течение жизни мне везло с учителями. В художественной школе у меня была прекрасная учительница по скульптуре и керамике, Лидия Александровна. Она зародила во мне интерес и понимание, что быть художником – это не только рисование. Чувствовать форму можно через скульптуру, керамику. Я понимала, что есть не только плоскостное рисование. И это добавляет объема в мои картины. В институте живопись преподавал прекрасный преподаватель Павел Александрович Ткаченко. С ним я полюбила монументальную живопись, мы писали масштабные работы, не боясь цвета, размеров, вообще ничего не боясь. Тогда я преодолела страх перед живописью, перед белым, чистым листом. После института я отвлеклась от художества лет на пять и затем встретила следующего своего учителя, достаточно известного акварелиста Татьяну Анисимову. Татьяна дает много дельных советов. Благодаря учителям я чувствую себя уверенно, как художник. Практически непрерывная цепочка достойных творцов идут со мной по жизни. Поддержка такой команды сильно повлияла на становление меня как художника. С самого детства я увлеченно рисовала и продолжаю это делать по сей день, при том, что я увлекающийся человек, у меня много хобби. Но именно любовь к рисованию со мной на протяжении всей жизни, как и спорт.

Почти каждое лето вы проводите в Старой Руссе. Какие у вас впечатления, воспоминания об этом городе, и как он помогал сформировать в вас художника?

Да, я действительно, буквально с рождения каждое лето езжу в город Старая Русса. Здесь жили бабушка с дедушкой, родители. Со Старой Руссой связаны только теплые воспоминания. И город связан с родными людьми, в первую очередь с доброй, понимающей бабушкой, от которой я узнавала простые человеческие истины. Я люблю в принципе ездить по небольшим русским городам и подмечать то, чем они друг от друга отличаются, чем отличаются люди, характеры города, и похожего на Старую Руссу я не встречала. Любимый город одновременно и похож на все другие города, и кардинально отличается. Даже когда везде развивается туризм, Старая Русса сохраняет свои особенности. Я люблю красоту, простоту рисовать. Сейчас мы ездим в Старую Руссу уже с дочкой, сыном, племянниками, и они все тоже любят рисовать, хотя это и не главное их дело. В Старой Руссе рисовать – это словно само собой разумеющееся, мы всегда берем с собой художественные материалы, находим время и с удовольствием рисуем. Это неотъемлемая часть нашего досуга в этом прекрасном городе, и Старая Русса для меня про искусство. Это город Достоевского, и этим духом все проникнуто: музеи, кафе, набережная. И настолько все живописно и просто! Я много раз писала, даже одни и те же сюжеты, и при этом город для меня – неисчерпаемая тема. Традиции придают стабильности, устойчивости, спокойствия нашей жизни. И это, наверное, одна из таких традиций, которую я бы хотела и своим детям передать.

Ваши жанры – натюрморт, цветы, пейзаж. Казалось бы, что нового можно создать, придумать. Как же это все-таки удаётся?

Я хочу ответить именно относительно техники акварели, в которой и работаю. Она наиболее мне близка и наиболее мною изучена. Акварель стоит особняком от всех остальных техник. Аля прима пишется с первого раза. Исправить ничего нельзя практически, за исключением долей миллиметров. Исправления часто даже губят и делают гораздо хуже, чем было «до». Поэтому так важен багаж закулисной работы, который накоплен в акварели, аля прима, чтобы за 15 минут выдать картину. Иногда зрители думают, что акварель – это просто, и только у таких же акварелистов от сложившейся за 15 минут работы перехватывает дыхание. Все последние годы я работаю над этим багажом, чтобы, перейдя к листу, выдать все, что я накопила. Это и работа над рисунком, и работа цветом, и постоянное изучение красок, их взаимодействия друг с другом. Непрерывный процесс занимает много сил, времени. И я могу с уверенностью сказать, что переписать акварель практически невозможно. Если человек не прошел такой же путь, как этот мастер, то он не сможет. Это возможно с маслом, гуашью, но с акварелью – нет. Наработка – это как закулисная работа, подготовка, изучение, бесконечное рисование, работа над своим рисунком, колористическая работа, создание чего-то нового, непохожего на то, что было до этого. И мне настолько хотелось этим поделиться с другими художниками, что я завела свой канал «Акварельный драйв», где я рассказываю и показываю нюансы работы.

Вы – участник российских и международных выставок. Как они укрепляют вашу убежденность в своём профессионализме?

На первоначальном этапе, когда я только начинала профессионально заниматься акварелью и углубляться именно в эту технику, конечно, для меня были важны выставки, волнительно было подавать заявки, участвовать в выставках, потом, конечно, это стало уже само собой разумеющимся. И сейчас, наверное, вопрос в том, где найти время на ту или иную выставку, отправить работу. На мое чувство профессионализма это не влияет уже никак. Но вот на начальном этапе это действительно оказывало влияние, вызывало радость, когда мою работу принимали, подбадривали, сейчас мне нравится итоговый процесс – ты приходишь на выставку, где висит твоя работа. Приятно увидеть свою работу, посмотреть, как она смотрится в контексте с другими работами. Процесс прохождения конкурсов уже не захватывает так, как это было раньше, когда я себя чувствовала учеником.

Ваши работы нередко отмечали наградами и премиями. Какие из них наиболее ценны для вас, и что для вас значит признание?

Признанием творчества для меня стало в прошлом году вступление в Союз художников Санкт-Петербурга. Мы заходили сюда еще студентами с замиранием сердца. Союз был царством художников. Он находится в старинном, прекрасном здании, которое я любила и люблю всей душой. И даже не подразумевала, что когда-то буду одним из этих художников.

Немалое внимание вы уделяете пленэрам. Чем, на ваш взгляд, отличается работа в студии и на свежем воздухе?

Работу на пленэре я люблю всей душой, и она сильно отличается от работы в студии, больше всего влиянием на процесс многих сторонних факторов. Например, погода. Дождь может оставить свои следы на картине, а солнце быстро сушит работу, приходится работать быстро. Еще окружающие люди, которые постоянно стремятся и подсмотреть, и поболтать, и даже дать совет, что, конечно, отвлекает. Но, прежде всего, это конечно ограниченный тайминг. Через пару часов тот же самый вид может быть абсолютно другим из-за сменившегося освещения или погодных условий. Все это добавляет в работы азарт. Выстоять несмотря ни на что! А в благодарность картины получаются гораздо живее и выразительнее. Про пленэр и его пользу могу говорить долго, художник, конечно, не может без работы с натурой.

Интересно, что вы создали виртуальный пленэр. Как появилась его идея?

Да, действительно, интересный проект, и меня до сих пор не оставляют мысли его возобновить. Виртуальный пленэр на самом деле – вынужденная мера во время пандемии, весной я тогда уехала с семьей к родителям на дачу, и мне был доступен реальный пленэр каждый день. Промелькнула мысль, что многие на тот момент закрыты в четырех стенах, и я могу помочь людям рисовать практически с натуры даже в таких ситуациях. На уроках я и мои коллеги часто давали не просто фотореференсы, а снимали видео с состоянием природы. А самое главное, многие были напуганы, просто замерли, а, учитывая изоляцию, состояние у большинства людей было сложным в моральном плане. И во время виртуального пленэра и даже несколько лет после я получала столько позитивного отклика от участников пленэров, многие попадали в самую душу, иногда рассказывали совсем личные истории, я даже не могла предположить в момент создания виртуального пленэра, что он поможет стольким людям.

Каждый из нас учится всю жизнь. Вы – не исключение. А что вам нравится больше – преподавать или участвовать в мастер-классах, и почему?

Не могу однозначно ответить, что люблю что-то больше. Когда я прихожу на мастер-класс к мастеру, я люблю наблюдать за процессом и анализировать, что мне близко в данной технике, что могу перенять и внедрить в творчество, это достаточно расслабленный и медитативный процесс для меня. Когда же я сама веду мастер-класс, нахожусь в гораздо большем напряжении и собранном состоянии несмотря на то, что в «Акварельном драйве» я всегда говорю, что ошибиться может каждый, не только ученик, но и мастер, все равно, конечно, хочется сделать на мастер-классе достойную работу, чтобы ученики получили не только знания, но и удовольствие, и кайф от процесса. А это энергозатратно (Улыбается.).

Есть ли знания, которых, как вы чувствуете, вам сегодня не хватает, и какие способы их получить вы видите?

Именно мне сейчас не хватает не знаний, а практики, каждодневных зарисовок окружающей среды и, конечно, фигуры человека. Сложно все успеть одновременно, но я верю, что найду решение и для этого вопроса.

Восемь лет назад вы создали бренд BelkaBrush. Почему появилось желание заняться разработкой кистей для акварели, масла и других техник, и какими они получились?

Сейчас, наверное, в это сложно поверить, но 8-10 лет назад практически не было достойных качественных профессиональных кистей по доступной цене. Мне не хватало таких. Мысль зародилась. Попалась по большей степени не особо ценная книга, но, как оказалось, в ней была всего одна, но такая важная идея для меня – художник необязательно должен зарабатывать только продажей своих работ, наоборот, хорошо, когда источник дохода находится около его творчества. Это освобождает художника от знакомой всем творческим людям тяготы – продажи творчества. Делает художника независимым. Я привыкла доверять книгам, мне всегда приходят из них нужные мысли в самое подходящее время.

Наверняка создать бизнес на творчестве – дело непростое. Какие трудности вы переживали при запуске и развитии своего бренда, и как они вас закалили?

Да, это действительно было и остается сложным, так как бренд недостаточно просто создать, важно, чтобы он продавался и был востребован. Казалось бы, прошло восемь лет, а за это время уже сменилось несколько способов торговли. Сначала все активно покупали в соцсетях – мы выстраивали этот путь, на смену пришла онлайн-торговля, и все продажи пошли через интернет-магазин – это, конечно, огромная работа. Как только что-то работает безупречно, приходит что-то новое: появились маркетплейсы. Это, наверное, самая сложная перестройка. Для многих маркетплейсы стали развлечением, люди заказывают что-то просто так, а затем за этим даже не приходят. На это тратятся силы сотрудников, деньги, есть место логистике. У меня ко всем большая просьба. Заказывайте то, что действительно нужно.

Коллекционирование и изучение на тему стереофотографии – ваше яркое увлечение. Расскажите, пожалуйста, какими удивительными кадрами вы обладаете?

Так редко удается поговорить на эту тему, поэтому мне всегда это особенно приятно. Все стереофотографии делятся на серийные и личные, тех и других у меня большое количество. Особенно интересна коллекция серийных стереофото XIX века. Фото на просвет цветные, их подкрашивали вручную. У меня есть коллекция стеклянных стереонегативов семьи Керзиных, это те известные основатели музыкального Керзинского кружка. Также есть несколько коллекций, авторы которых неизвестны, также, как и снимаемые на них. Я бы долго рассказывала, что у меня есть (Улыбается.).

Что для вас важнее – процесс творчества, или конечный результат, и почему?

Для меня, конечно, важнее процесс творчества, он здесь и сейчас, он ощутим. Здорово, когда конечный результат тоже радует, но это не первостепенно. А может, мне просто везло, и я не знаю, каково это, когда результат совсем не радует изо дня в день.

Творческие люди нередко сомневаются в своих силах. Посоветуйте, как можно с этим справиться?

Все просто – рисуйте каждый день. Мы не сомневаемся в том, что делаем каждый день. Такое постоянство всегда дает хорошие плоды и одно из них – уверенность.