Мария Корнюхова

Учиться, чтобы учить: диалог с художником Марией Корнюховой

Мария Корнюхова — художник и педагог из города Новозыбкова Брянской области, выпускница местной художественной школы и Брянского художественного училища. Она посвятила себя преподаванию в родной школе, совмещая педагогическую деятельность с творческими поисками в росписи по дереву, акварели и графике. Мария — увлеченный и открытый человек, который продолжает учиться, участвовать в выставках и вдохновлять своих учеников на творческие достижения.

Мария, расскажите, как понять, что у ребенка есть тяга к творчеству, живописи и помочь развить интерес?

Если ребенок хочет рисовать, ему интересно этим заниматься, он готов проводить много времени за этим занятием, то, значит, тяга к творчеству у него есть. Поддержание интереса к творчеству – задача педагога. Когда ребенок видит перед собой личность художника, видит, что преподаватель увлечен своей работой, он сам заражается интересом. Если преподаватель неформально подходит к проведению уроков, каждое занятие превращается в интересное путешествие, то тогда, конечно, интерес к творчеству у ребенка будет поддерживаться и развиваться.

Сегодня вы преподаете в художественной школе в родном Новозыбкове Брянской области. Какими успехами своих учеников вы особенно гордитесь?

У каждого ученика успех разный. Для одних успех – окончание художественной школы с красным дипломом. Для других – победа на престижном конкурсе. А для третьих – прогресс в своей работе, улучшение своих учебных показателей. И я могу сказать, что горжусь всеми своими учениками, выпускниками. Среди них есть и дипломанты конкурсов, и те, кто выбрали профессию художника, и те, кому нравится живопись, но дается нелегко, особенно академические предметы. Несмотря на то, что многое не получается, ребенок учебу не бросает. И спустя год-два замечаешь прогресс. Видишь, как работы твоего ученика становятся лучше, профессиональнее.

Есть мнение, что учеба, образование – это всегда про рамки, ограничения. Так ли это на самом деле, или на ваших занятиях есть место свободе творчества, экспериментам?

Скорее всего, больше это относится к академическим предметам, например, рисунку и живописи. При изучении рисунка, конструктивного построения предмета, передаче тональных отношений выйти за рамки довольно сложно. Рисунок – это точный предмет, который предполагает наличие правил и рамок. В живописи больше свободы творчества – есть работа с цветом, можно использовать различные приемы, комбинировать их. В станковой, декоративной композиции полная свобода творчества. Здесь все зависит от фантазии ученика. В творческой среде наблюдается баланс.

Свою первую награду международного уровня вы получили в раннем возрасте. Помните, как это было, и что для вас тогда означало признание?

Первую награду международного уровня я получила в 13 лет на конкурсе в Чехии. Наша художественная школа впервые решила поучаствовать в международном конкурсе детского рисунка. Педагоги отправили на конкурс четыре работы, одна из которых была моя. В итоге мы оказались призерами. Для меня это было неожиданно, но очень приятно. Победа воодушевляла, вселяла уверенность, что мою работу признали на таком уровне. На награждение нас пригласили в Москву, в чешское посольство. Устроили прием. И это было очень важно, значимо, и в дальнейшем признание таланта, способностей сказалось на выборе профессии.

Сегодня вы также активно участвуете во всероссийских, международных конкурсах. Насколько сложно или наоборот легко писать работы, которые будет оценивать жюри?

Я пишу работы не для конкурсов, а потому что именно так мне хочется выразиться или донести до зрителя душевное внутреннее состояние, красоту природы. Тематика конкурсов разнообразная, и под каждый я могу найти подходящую работу.

Вам нравится заниматься росписью деревянных сувениров, акварельной живописью, графикой. На ваш взгляд, одно направление дополняет другое, мешает ему или существует параллельно?

Несколько лет назад мне казалось, что это абсолютно разные направления, которые не пересекаются. Сейчас эти три ипостаси влияют друг на друга. Например, я пишу цветы, и живописные навыки применяю затем при росписи сувениров. Знания, полученные при росписи пасхальных сувениров с теми же изображениями цветов, я могу применить в графике. Мне очень нравятся графические изображения растений. Рисунки линерами я переношу сегодня на деревянную поверхность, и это тоже здорово. Роспись учит аккуратности, точности, и эти навыки переходят и в графику, и в живопись. Когда пишешь акварелью, стараешься детали создавать более точно и аккуратно. Все абсолютно взаимосвязано, гармонично сочетается между собой, и я уже не могу отделить одно от другого.

Интересны работы в смешанных техниках. Как вы учились сочетать один материал с другим, например, линер и акварель?

Мне хочется узнать, а что будет, если я сделаю так и эдак. Путем проб и ошибок иногда получаются весьма интересные результаты. Где-то увидела работу, выполненную линером и акварелью, мне она так понравилась, что я решила попробовать. Пробуя и ошибаясь, постепенно пришла к тем результатам, которые есть у меня сейчас. Позже мне стало интересно попробовать сочетание акварели и пастели. Делала заливку акварелью и уточняющие штрихи пастелью. Также мне нравится сочетание акварели и акварельных карандашей.

Знаю, что любовь к акварели у вас появилась после проекта про адаптацию молодых специалистов к работе с одаренными детьми. Как он проходил, и чем вам запомнился?

Этот масштабный проект длился полтора года. Его разработало руководство нашей школы при поддержке Президентских грантов. С нами, молодыми специалистами, работали именитые художники России и Белоруссии. Мы вместе рисовали, лепили из глины. Осваивали не один, а разные виды творчества. Живопись вел великолепный художник, акварелист, член Союза художников Белоруссии Михаил Петрович Нехайчик. Благодаря ему мое отношение к акварели изменилось. Я ее раньше воспринимала только как учебный материал и думала, что настоящие художники пишут маслом. Но я попробовала писать по мокрой бумаге натюрморт, и это захватило меня. Я открыла для себя огромный мир акварели. Проект адаптации молодых специалистов дал всем участникам серьезный и важный старт в развитии дальнейшего творчества. С благодарностью и теплом вспоминаю проект, наших преподавателей, заслуженных художников.

Вы не раз участвовали в мастер-классах именитых художников. Чему готовы учиться в ближайшее время, каких знаний, на ваш взгляд, вам не хватает?

Кажется, каждый готов учиться всегда. Мне трудно ответить, каких знаний мне не хватает. Возможно, нужно больше практики. Но я готова учиться, участвовать в различных мастер-классах как по росписи, так и по живописи. Регулярно смотрю онлайн-уроки известных акварелистов, с удовольствием изучаю специализированную литературу. Каждый мастер уникален, и, если есть готовность делиться секретиками, это здорово.

Диалог со зрителем. О чем в первую очередь вы хотели бы спросить тех, кто только увидел ваши работы?

Наверное, я бы хотела спросить, что зрители чувствуют, ощущают, глядя на мои работы. Мне важно, в какие эмоции мои работы погружают человека.

Вы стараетесь представлять свои работы на коллективных и персональных выставках. Есть ли для вас разница, где зритель впервые познакомится с вашими картинами, и в чем она?

Для меня существенной разницы нет. Главное, чтобы зритель увидел мои работы, а уж где случится встреча – на персональной, коллективной выставке или в интернете – не столь важно.

Наверняка на подготовку к выставкам требуется немало времени и сил. С чем при подготовке справляться легче, интереснее, а что вызывает сложности?

Я не занимаюсь организацией выставок, поэтому трудностей нет. Наверное, есть сложность в оформлении работ. Важно решить, какие работы я буду представлять, и, если они не оформлены в багет или паспарту, подобрать правильное оформление, чтобы работа смотрелась. Ну, и довезти картины до места выставки в целости и сохранности.

Раньше вы были убеждены: настоящий художник пишет картины только маслом. Благодаря чему удалось разрушить стереотип?

Стереотип о том, что настоящий художник пишет только маслом, появился, мне кажется, еще во время учебы в художественном училище, когда мы перешли на масляную живопись. Мне казалось, что это серьезный шаг, требующий физической работы при подготовке. Надо натянуть подрамник, загрунтовать холст. Я думала, что чем сложнее, тем более работа значима. Еще такой стереотип сформировался из-за того, что представленные в музеях картины Репина, Саврасова, Айвазовского, других художников написаны маслом. Работ акварелистов мало. Поэтому мне всегда казалось, что акварель – это что-то незначительное. Сейчас я понимаю, что из простых материалов можно сделать достойную работу. Этот стереотип я придумала сама, и я очень рада, что он разрушился.

Вы спокойно рассматриваете свои работы, созданные пять, десять лет назад? Есть ли что-то, что хотелось бы исправить в них?

Сейчас, наверное, уже спокойно и с удовольствием, но был период, когда мне казалось, что работы ужасны, их никому нельзя показывать. Я научилась в работах, сделанных 5-10-15 лет назад, находить хорошее. И благодаря тому, что я могу посмотреть работы, созданные несколько лет назад, я замечаю рост, прогресс.

Что вы посоветуете молодым художникам, которые только начинают свой путь в живописи?

Не бояться экспериментировать. Нет страха чистого листа, цветов. Есть лист бумаги, краски, и ты можешь выразить с помощью них все, что тебе хочется. Важно ошибаться и пробовать, пока не получится тот результат, который нравится. Важно не сдаваться. Если не получилось с первого раза, получится с десятого. Не получилось с десятого, получится с пятидесятого. Главное, не останавливаться. Отбрасываем страх, сомнения и находимся в постоянном творческом потоке, поиске. Необходимо искать себя, свой стиль, направление, материалы, через которые хочется выразиться. Нужно больше практиковаться, рисовать практически постоянно. Хочу пожелать удачи, вдохновения и веры в собственные силы. Я точно знаю, что все получится.