Михаил Евлаков

«Я уверен, что у меня всегда будет что-то интересное для рисования, независимо от обстоятельств»

Михаил, ваши родители — художники. Какое влияние они оказали на ваше творчество?

В первую очередь дали возможность узнать особенности творческой профессии, а именно понимание необходимости сражаться до победного, не сдаваться при первых неудачах и добиваться позитивного результата.

Отец, когда я после художки пошёл в гимназию 190, процитировал своего преподавателя из Кировского художественного училища: «Если вы хотите телевизор смотреть, то нечего вам сюда поступать. Я вам советую купить штаны покрепче на четыре года и трудиться, как следует».

На мой взгляд, это очень ценно — осознание важности стремления к результату, борьбы до победного, делать свою задачу так, чтобы потом не было стыдно, что чего-то недоделал, схалявил, не извлёк для самого себя каких-то ценных выводов от проделанной работы, к примеру, от написанного этюда, выполнения партии эскизов и выбора наилучшего из них для создания какого-то графического листа или картины.

Отец окончил «Муху», кафедру металла. Самое важное, что он передал мне в профессиональном плане — это умение осознанно подходить к композиции. Он научил меня искать красивые формальные решения, сочетать ритмы и пятна, добиваться лаконичности. Отец советовал мыслить графическим языком, используя пятно и силуэт.

Мама, выпускница кафедры художественного текстиля, с детства привила любовь к живописи и интерес к цвету. Дед по отцу, Василий Максимович, тоже был художником. Он жил и работал в Слободском Кировской области, где более полувека преподавал. В свободное время он любил рисовать.

В 2000-е, когда я учился в школе, интернета почти не было. Активно пользоваться им начал в седьмом классе. Зато у родителей было много книг по искусству. Всегда была возможность чем-то вдохновиться, что-то посмотреть. Причём это были книги очень выдающихся авторов, в основном XX века, таких живописцев, как Александр Куприн, Константин Богаевский, Николай Крымов, Архип Куинджи, Сарьян; Дейнека, Пётр Оссовский, графиков, таких как Никиреев, Борис Власов, и т. д.

Интересно, что в художественной школе пленэры часто проходили в яхт-клубе на Крестовском острове и в Александро-Невской лавре. Какие самые яркие воспоминания сохранились у вас с тех времён?

Два года подряд у нас пленэры вёл Валерий Васильевич Вышивалов. К сожалению, он уже не с нами. Этот талантливый художник преподавал у меня в 3-м и 4-м классах художественной школы. Очень интересный художник и замечательный человек.

Мне запомнился его подарок-благословение. Мы с друзьями отправились в яхт-клуб после защиты диплома и расположились в тени деревьев. Внезапно он подошёл ко мне и протянул коробочку с красками. «Миша, это тебе. Продолжай писать!» — сказал он. Теперь, когда меня охватывают сомнения или я чувствую отчаяние из-за того, что не всегда могу воплотить свои идеи, вспоминаю этот момент. Это вдохновляет меня продолжать трудиться.

В «Мухе» на кафедре художественной обработки металла вы пробовали работать и в технике масштабной ковки, и миниатюрной ювелирки. Какой самый интересный проект реализовали?

Да, программа обучения в «Мухе» на факультете металла в период специалитета действительно была разнообразной. Каждое задание было особенным. Например, на первом курсе студенты занимались травлением (гравюрой по металлу), чеканкой и выколоткой. Со второго курса начиналось проектирование архитектурного металла для исторического центра Петербурга, ковка и различные виды сварки. Затем мы изучали техники литья, гальваники и миниатюрной гравировки, выполняя творческие задания, такие как создание арт-объектов, сочетающих металл с другими традиционными материалами.

Наверное, это был самый творческий и увлекательный проект в моей жизни. Я решил сделать работу на тему «Ноев Ковчег». Эта идея захватила меня ещё во время подготовительных курсов. В процессе освоил работу с глиняным пластом, научился вырезать гипсовые рельефы и отминать формы. Это было невероятно интересно! Не могу сказать, что проект получился успешным. Каждый автор имеет право на творческие неудачи. Однако этот опыт стал важным этапом в моём самопознании и определении дальнейшего пути. Я понял, в каком направлении хочу развиваться. Вывод: нужно продолжать рисовать после окончания учёбы!

Какие новые техники художественной обработки металла вы бы хотели освоить в будущем?

Сложно сказать. Мне интересно всё. Главное, чтобы проект, который мы планируем реализовать, не оставался только в голове. В любом творчестве изначальная идея обычно отличается от конечного результата, особенно когда работаешь с новыми материалами.

Вопрос в том, что вдохновляет нас на создание. Иногда автор восхищается свойствами какого-то материала, его «спецэффектами». Например, ему нравится фактура сварки или пластичность листовой чеканки. Затем, желая выразить красоту этого материала, он приступает к работе. Иногда случается иначе. Автор хочет создать определённый образ, будь то яркий персонаж с характерными чертами или простая геометрическая фигура, пейзаж — что угодно. Его цель — вызвать у зрителя эмоции. Например, показать, что персонаж противный или, наоборот, приятный, передать шум дождя или ветра. Может быть, перед художником стоит задача создать картину или объект декоративно-прикладного искусства, вдохновлённый мифом, художественным произведением или Священным Писанием? Возможно, он стремится затронуть сердце зрителя, передать ему какой-то смысл, вызвать эмоцию или донести урок. В этом случае художник начинает размышлять: «Как мне это сделать?» — и выбирает подходящие материалы. Это могут быть не только металл, но и керамика, дерево или любой другой материал и техника.

Пока что у меня остаётся интерес к абстрактной скульптуре, но, в частности, из металла, в особенности к сварке. Помню, как на старших курсах и при написании диплома меня вдохновляло это направление. Теперь стало чуть больше свободного времени, и я начал экспериментировать, создавая свои работы и пробуя разные фактуры. Появились интересные пластические решения. Если появится возможность продолжить эту тему, возможно, вернусь к ней.

Сейчас я доволен своим творчеством. Мне особенно нравится работать с карандашом. Графика всегда даёт мне возможность выразить свои мысли и чувства. Я уверен, что у меня всегда будет что-то интересное для рисования, независимо от обстоятельств.

Большую роль в нашем профессиональном становлении играют педагоги. Какие работы преподавателей произвели на вас наибольшее впечатление?

Практически каждый мой педагог, с кем я сталкивался, — несомненный мастер своего дела и великолепный художник.

Особенно сильное впечатление на меня произвела карандашная графическая серия Николая Сажина, которую он представил на персональной выставке в 2015 году. Художник мастерски использует простой карандаш, чтобы передать самые разные аспекты жизни: натюрморты из повседневных предметов, пейзажи и их фрагменты, а также композиционные зарисовки с людьми. Вроде бы простые сюжеты, но как мастерски сделаны! И тут я вдруг почувствовал, отчасти оценил многогранные, безграничные возможности простого карандаша! Именно после этого вдохновился на создание своей карандашной серии «Путь», которую рисую с 2017 года. С тех пор мой любимый графический материал — это простой карандаш.

Я очень люблю методические рисунки моего учителя Сергея Тарасовича Шевченко из 190-й гимназии. Его самоотверженный труд помог мне понять строение человеческой головы. Поэтапные схемы, которые он создал, помогают начинающим художникам почувствовать форму и увидеть её конструкцию. Нигде не видал такого самоотверженного педагога, как Сергей Тарасович!

Очень вдохновляет керамика Юрия Хачатуровича Саркисяна, выполненная по принципу дамасской стали, до сих пор с интересом наблюдаю. Люблю эмали Анвара Ильгизовича Багаутдинова, эмали и графику Эдуарда Михайловича Фокина, скульптуры Мхояна Эдуарда Вагаршаковича, преподавателя по лепке, керамику Игоря Васильева, живопись Дутова Льва Николаевича, а также Константина Константиновича Константинова. У каждого есть чему поучиться!

На самом деле, каждый педагог уникален и неповторим, и каждому я очень благодарен.

Вы рассказывали, что один из педагогов вдохновлял вас на художественные эксперименты и учил творческому бесстрашию. Как вы понимаете это «бесстрашие», и какие советы дали бы тем, кто хочет его развить?

Что мы понимаем под бесстрашием? Все мы чего-то боимся в этой жизни. Творческие люди могут опасаться отсутствия заработка и поэтому выбирают стабильную работу. Некоторые настолько смелы, что отказываются работать на кого-то и становятся индивидуальными предпринимателями. Они постоянно ищут клиентов, борются за каждого из них и начинают бояться, что не смогут удержаться на плаву и будут вынуждены вернуться к наёмной работе. Отличники и «ботаники» могут бояться получить четвёрку вместо пятёрки или того, что учителя и родители будут плохо о них думать. Кто-то боится, что его не оценят как блогера, и его попытки на этом поприще будут неудачными. Добросовестный выпускник академии художеств, где уровень выучки и мастерства очень высокий, боится потерять от приобретённый за годы обучения навык. Кто-то боится попробовать выполнить эскизы в коллажной технике, поскольку всегда делал их карандашом и кистью. Я порой побаиваюсь большого формата в живописи и в графике. Можно бояться всего, что приходит на ум.

Советы? В первую очередь, наверное, нужно понять, что когда речь идёт о творческой работе как таковой ( именно не на заказ, не по заданию в вузе или в школе), то здесь МОЖНО ВСЁ! То есть единственный ограничитель по композиционному решению, по технике, по мастерству, по осмысленности идеи — это я сам.

Как говорил писатель Владимир Сорокин, «бумага всё стерпит». Не стоит беспокоиться о том, что подумают другие, ждать ни похвалы, ни критики. Не нужно размышлять о будущем, о том, принесёт ли ваше произведение славу или нет. Старайтесь избегать соревновательного отношения к своему творчеству. Не пытайтесь превзойти или переплюнуть кого-то. Старайтесь меньше сравнивать себя с другими людьми. Важно найти хороших друзей и единомышленников, которые примут вас таким, какой вы есть, и будут готовы поддержать в трудную минуту.

Тем, кто только что окончил художественный вуз, могу посоветовать не полагаться слишком сильно на чужие советы. Хотя бы на какое-то время перестаньте искать прибежище в чужих мнениях. Ошибки и разочарования неизбежны, но будут и успехи.

Важно сохранять спокойствие. Прося совета, помните: вы остаётесь автором своих решений. Не перекладывайте ответственность на «советчика».

Сейчас, путешествуя по России, вы много работаете на пленэрах. Как поездки изменили ваш подход к живописи?

Это да, путешествовать я и вправду люблю. Подход к живописи? Ну, если вкратце говорить о том подходе к живописи, который я выработал концу обучения в академии имени Штиглица, то нужно понять, в чём заключается именно «мухинская» школа живописи. Как я понимаю, здесь живопись декоративная. То есть сама по себе живопись направлена на развитие у студентов умения отбирать элементы из окружающего мира, добавлять и убирать детали, стилизовать изображения и мыслить абстрактно.

Что касается внимательности к воздушной перспективе разнообразным тонким оттенкам, светотени, рефлексам, мягким касаниям, то об этом здесь говорить не приходится. «Муха» — это школа нового, скажем так авангардного типа. Основная задача, которая стоит перед студентом — красиво закомпоновать лист, распределить пятна и сделать интересное решение. Нет цели сделать постановку такой, как мы её видим. Есть такая поговорка: «Натура — дура, а ты художник».

С одной стороны это здорово. Когда ты свободно компонуешь, свободно вставляешь цвет, какой считаешь нужным, в свой лист, в своё полотно, свободно двигаешь что-то и перемещаешь, меняешь размер и стилизуешь пластику. Всё это шикарно. Но это шикарно лишь в том случае, когда есть хороший художественный вкус. В уме и сердце — определённая эстетическая культура. Хорошая насмотренность. Когда знаешь, что такое хорошо и что такое плохо, если простыми словами выразиться.

К сожалению, сейчас наблюдается тенденция к снижению уровня эстетического воспитания и требовательности педагогов к выполнению работ. Это касается не всех учебных заведений, но, возможно, в Штиглице ориентируются на западные вузы, где классическая школа практически отсутствует.

Меня немного напрягает, что в современном искусстве очень редко можно увидеть тему любви к ближнему, любви к Богу, Родине, природе, сострадания к другим, уважения ко всему живому. Этого в современном искусстве очень мало. Немного обидно, если честно.

Очень многие люди пытаются выпендриться, пытаются быть единственными и неповторимыми, уникальными в своём роде, что вполне естественно, тем более для художника. И я такой же. Но зачастую это делается в не очень хорошем качестве, без вкуса, с тяжёлой энергетикой или провоцирующие. Они привлекают тех, кто не обладает глубокой верой, но ищет в искусстве развлечений или хочет быть эпатажным.

А пленэр, иными словами, живопись с натуры, где бы мы её ни практиковали, будь то дома у окна или в отдалённых уголках нашей Родины и в других частях или в других частях земного шара, — везде полезен для нас как для художников. Рисование с натуры учит меня быть более проницательным, более внимательным к окружающему миру и тонким. Может быть, это именно то, чего мне не хватало во время обучения профессии дизайнера или художника-прикладника на кафедре художественной обработки металла.

Почему я люблю поездки? Очень просто. Путешествия — это способ вырваться из повседневной рутины, немного монотонной работы, бытовых хлопот и так далее. Я езжу за красивыми этюдами, яркими впечатлениями и за приключениями, которые храню в памяти на протяжении долгого времени, если не всей жизни.

Рисование в незнакомом месте, где ты раньше никогда не был, на свежем воздухе — тоже своего рода выход из зоны комфорта, но суть не в этом. Суть в том, что когда ты напрямую соприкасаешься с красотой какого-нибудь дома, дерева, рельефа местности, вдыхаешь этот воздух, видишь собственными глазами всё это, испытываешь удивление, восхищение. Эти эмоции в разы острее, чем если мы видим то же самое, но на фотографии, в интернете или на картинке. Пока чувства горят от красоты, пока они охвачены удивлением, самое время взять кисть или карандаш и начать писать. Потом такой возможности может не быть. Или сейчас, или никогда.

Мой учитель из академии Штиглица по рисунку, Николай Алексеевич Сажин, говорил, что в искусстве нет завтрашнего дня, есть только сегодняшний. Иногда я слышу: «Хватит писать этюды. Это кухня художника. Пора писать большие картины. Ты слишком часто выходишь на пленэры. Когда будут большие холсты?» Но я знаю, что это лишь мнения разных людей.

Почему я так часто пленэрю, даже в ущерб длительным проектам и идеям? Особенно сильно это проявляется в последние два года. Всё потому, что мне необходимо вдохновение, свобода и полное погружение в процесс. Я люблю созерцать красоту окружающего мира. Для меня пленэр — это и отдых, и работа, в зависимости от настроения.

Что вас вдохновило на создание серии «Алтайский блокнот»?

Это очень интересная тема. Осенью 2021 года я отправился на Алтай с Ильёй Козловым и другими друзьями. Перед поездкой я ещё не преподавал, работал в торговой сети в Петербурге, и этот отпуск был для меня долгожданным.

Это океан красоты. Это столько неповторимых пластических ходов, сочетаний форм, цветов. Когда я вернулся домой с десятками зарисовок масляной пастелью и тысячами разнообразных фотографий, оказался в некотором ступоре, и задался вопросом: «А что мне из этого сделать?»

Кстати, именно в именно весной того года перед поездкой на Алтай, я возобновил работу над этюдами темперой, как в студенческие годы в «Мухе». В конце концов, живущие во мне склонность работать с цветом и некоторые успехи на этом поприще в предыдущие годы давали о себе знать и не давали сердцу моему покоя. Поэтому хотелось работать в живописи, параллельно с графикой. Графика дисциплинирует. Она учит нас добиваться наибольшей выразительности. Но всё же страсть к цвету жила.

Я на тот момент чувствовал, что у меня немного не хватает опыта, чтобы делать какие-то большие метровые или двухметровые полотна, по примеру моих друзей и десятков сотен замечательных художников, которых я смотрел до этого. И всё же хотелось сделать что-то цветное.

С сентября я сменил сферу деятельности, о чём давно мечтал. Меня пригласили преподавать в детскую школу искусств в посёлке Назия Кировского района Ленинградской области. Там я работал с детьми 6-7 лет, вёл лепку и уроки истории искусств. Приходилось постоянно придумывать что-то новое и интересное, чтобы удерживать внимание маленьких учеников.

Когда я вёл замечательный предмет под названием ДПИ (декоративно-прикладное искусство), то давал небольшим детям до 10-11 лет аппликацию. Нужно сказать, что работа моя находилась очень далеко от моего дома более 100 км, и зачастую, мне приходилось ночевать прямо в школе. Там же готовиться к урокам. Увидев, что детская цветная бумага сильно ограничена в цветах, однажды я решил покрасить её. Вечером взял клеёнку у завхоза, бумагу, на которой были распечатаны документы, которые уже не нужны и просто начал красить эту бумагу с обратной стороны гуашью.

Сначала наносил краску жидко, потом густо. Пробовал растяжки от жёлтого к синему и обратно. Экспериментировал с нанесением краски по сырому, использовал сухую кисть, лессировку, комбинировал разные текстуры, царапал. И это занятие меня очень увлекло.

Детям тоже понравилось работать с крашеной бумагой. Их работы стали интереснее, и они даже выигрывали некоторые конкурсы. Но потом я сам так увлёкся, что забрал несколько листов себе. Позже, к концу осени, почувствовал вкус к этому занятию и захотел попробовать себя в аппликации. В коллаже можно добиться интересных и порой невероятных сочетаний цветов и фактур.

Традиционные живописные и графические техники порой не позволяют передать все многообразие сочетаний. Опыт работы с аппликациями показал, что коллаж — это отличный способ для эскизов и поиска необычных композиционных и цветовых решений. Их можно перенести в более серьёзные и длительные графические листы или полотна.

Для коллажа я использовал куски обычной принтерной бумаги, которые вручную покрасил и наклеил на плотные листы альбома. Создание самодельной бумаги позволило опробовать разные графические техники: растяжки и переходы цветов, набрызгивание, сухую кисть, отпечатки, мастихин и другие. В экспозиции также представлены вырванные страницы из настоящего блокнота, где я записывал впечатления от прошлогоднего горного путешествия-пленэра. Когда я начал делать коллажи, то не смог остановиться. В целом, искренне убеждён, что эксперимент удался.

Вы преподаёте живопись детям. Как оцениваете прогресс учеников?

Непростой вопрос. Сейчас я преподаю в основном рисунок и немного основы формальной композиции.

Как оцениваю прогресс учеников? Здесь всё зависит скорее от личности самого ученика. Чего он хочет, каковы его интересы в жизни? А как ученик относится к твоему предмету? Как он себя ведёт, как он общается с другими детьми, с другими учителями, как относится к твоим домашним заданиям, как делает и когда приносит — всё это в совокупности даёт возможность до какой-то степени почувствовать мотивацию человека.

И в зависимости от уровня мотивации человека следует оценивать прогресс. К примеру, ребёнок совсем ничему не хочет учиться, его мама привела в нашу гимназию чуть ли не силой, и не в первый, а в восьмой класс! Получать стратегические знания о законах перспективы, о лепке формы, о передаче конструкции такой человек не настроен, хоть убейте. Но вот, после летних каникул, этот двоечник приносит интересные красивые зарисовки домов, деревьев, зверей в творческой графической технике, на тонированной бумаге. Когда человеку интересно что-либо, он делает это с удовольствием, и результат получает неплохой. В конце концов, видно, что талант у ребёнка есть, и мы искренне радуемся за такого ученика. Может быть, человек сможет занять свою нишу в дизайне, в авторской иллюстрации и т. п.

Зачастую бывает, что ребёнок в дальнейшем не становится художником, но на уроках рисунка просто получает своего рода дополнительное образование, развивает навыки объёмно-пространственного мышления, точность и аккуратность. Это тоже очень ценные навыки, они могут пригодиться во множестве разных профессий. Вместе с тем я прекрасно понимаю, что хоть мы и работаем в предпрофильной школе, не ставим целью сделать всех и каждого профессионалами. Личный выбор ученика всегда очень важен.

Вспоминаются слова Серова: «Искусству невозможно научить, а возможно научиться». Или пословица: «Лошадь возможно привести к водопою, но нельзя заставить её пить».

А бывает так, что изначально слабый, неподготовленный ребёнок старается изо всех сил, по многу раз приносит и переделывает домашние задания, и при помощи тяжёлого труда добивается хорошей оценки. Но к концу года начинаешь видеть, как его учебные работы становятся крепче, сильнее. И это несомненно прогресс!

Есть и такие, что в последний момент, за неделю до четвертного обхода подсуетятся и всё сделают, а перед этим валяют дурака, почти не показывают домашнее задание и так далее. Они, разумеется, даже если и получают высокие отметки, не сильно растут. Позже, когда начинается трудные темы, в частности, рисование головы, им очень трудно, и они стонут, что ничего не получается. А потому что не научились перед этим хорошо и правильно рисовать простые формы, такие как куб, шар. Если человек не усвоил таблицу умножения, разве можно его тригонометрии обучать?

Наиболее быстрый прогресс ученика возможен только при совместных усилиях — и его самого, и учителя. Это моё мнение. Однако бывает и так, что учитель старается изо всех сил, но результат остаётся незначительным, потому что человек не делает шагов навстречу.

Сейчас я стараюсь найти индивидуальный подход к каждому ребенку, лучше понимать его интересы и мотивацию. Без этого эффективность моей работы как учителя будет низкой.

В чём вы видите свою миссию как художника и как эта миссия влияет на вашу преподавательскую деятельность?

Моя миссия как художника — видеть и изображать радость и красоту жизни такой, как я её вижу; транслировать светлые эмоции и пробуждать их в зрителе. Как же мне достичь этого? Не боясь, браться за богоугодные сюжеты, если так можно выразиться. Что это за сюжеты такие? В первую очередь, те, на которые меня благословили уважаемые мной старшие. Под старшими я подразумеваю как преподавателей, родителей и более опытных коллег, так и духовных людей, наставников, давших милость и путеводную нить в жизни.

Ещё в художественной школе, Валерий Васильевич сказал мне: «Чем бы ты по жизни ни занимался, продолжай писать». Николай Александрович Яшманов, бывший заведующий кафедрой художественной обработки металлов, мой преподаватель, пару лет назад, когда мы созванивались в последний раз, сказал мне: «Тебе надо развивать свой живописный талант». Плюс пару отзывов от покупателей, ценителей моего творчества.

А также советы тех людей, духовный и жизненный путь которых я уважаю. К примеру, сейчас делаю серию работ религиозной тематики, иллюстраций к трактатам одной из духовных традиций, под руководством, или, можно сказать, по благословению одного такого человека. Иногда композиции легко идут, иногда очень трудно. Но я понимаю, что художественные особенности моего творчества задействовать в этом служении вполне реально. Это тоже часть моей миссии. Пока результаты проекта не публикую, но, надеюсь, выставлю чуть позже.

Вспоминаю слова профессора по истории искусств в «Мухе»: «Искусство невозможно без участия зрителя». Я очень люблю слушать отзывы, причём разные, как хвалебные, так и критические. Очень ценно посмотреть на себя со стороны чужими глазами.

Мне кажется, художественная миссия помогает мне не выгореть как преподавателю, не замыливать глаз на ученических работах, обогащать опыт и расширять кругозор. Для меня это морально тяжело, когда погружаешься с головой работу и никак не проявляешься творчески. Трудно, когда совсем нет времени на творчество — я бы сказал, невыносимо. Некоторые люди смиряются с загруженностью и полностью погружаются в педагогику. Каждый сам выбирает свою судьбу, это моё мнение.

Очень опасно выгорать. Опытные коллеги советуют не доводить себя до этого состояния, потому что это влияет на качество нашей работы.

С другой стороны, когда ты сам заинтересован и вдохновлён, тебе гораздо легче увлечь других.

Галерея