Александр Петелин

«Успех — это найти своё место в современном искусстве и продолжать развиваться, экспериментировать, создавать новое»

Александр, рисовать вы начали ещё в детстве. А как и когда поняли, что живопись — ваше призвание и заработок?

Начну с того, что у меня нет профессионального художественного образования. Рисовал, действительно, и в детстве, и в студенческие годы, не всегда регулярно, но всегда с любовью. Около восьми лет назад я познакомился с масляными красками, процесс рисования маслом захватил меня полностью. В какой-то момент моя семья и друзья, которые были знакомы с моим творчеством, стали активно меня подталкивать к тому, что пора бы начать делиться своим творчеством с людьми. Важную роль сыграли слова одного из друзей нашей семьи, профессионального гитариста: «Что ты за музыкант, если ты не играешь людям?». Я примерил это на себя и понял: пора показывать работы в интернете, участвовать в выставках, получать обратную связь от зрителя. Сейчас живопись стала основной частью моей жизни. Некоторые картины продаются, находят себе новый дом, где им рады. Не могу сказать, что это составляет для меня существенный источник дохода, поскольку, занимаясь живописью, я одновременно веду бизнес в другой сфере, далёкой от искусства.

Вы сказали, что не имеете профильного образования. Получается, учились самостоятельно. А каким образом вы получали знания?

Основы композиции, цветоведение и многое другое изучал самостоятельно,в основном, по книгам, несколько раз смотрел видеоуроки разных художников. Что касается преподавания: есть такая тенденция, что ученики начинают рисовать как учитель. В такой ситуации очень трудно услышать себя и найти свой авторский стиль. Поэтому я стараюсь не смотреть на кого-то одного, а наблюдать за современным искусством в целом. Благодаря соцсетям это достаточно просто. И, конечно, нужно постоянно работать. Ставить себе новые задачи и рисовать, экспериментировать, искать своё место в современном искусстве.

В прошлом году вы участвовали в выставке в Третьяковской галерее. Какие ощущения возникли, когда вы увидели свои работы в известной на весь мир галерее?

Подобные выставки проводятся регулярно, участвовать могут все желающие, там минимальный конкурсный отбор и небольшой организационный взнос. Для начинающих художников такие совместные выставки — отличный вариант представить свои картины широкой публике. Часто подобные выставки проходят на очень престижных площадках. Не скрою, мне было приятно принять участие в выставке в Новой Третьяковке, свой заряд положительных эмоций я получил.

Вы сотрудничаете с Galeria Azur в Мадриде. В чём вы видите пользу друг для друга во взаимодействии?

Галерея предложила мне сотрудничество в 2022 году. Это позволило мне выйти на две крупнейшие международные онлайн-галереи, которые не работают напрямую с художниками. Без сотрудничества с галереей туда не попадёшь. Кроме того, Galeria Azur активно продвигает мои работы в соцсетях, а также в среде своих постоянных клиентов — коллекционеров искусства. Естественно, по условиям контракта галерея оставляет себе определённый процент при продаже работы. Так что выгода от такого сотрудничества обоюдная.

Вы работаете в технике «импасто». Чем эта техника отличается от десятков других? Чем необычна и привлекательна? И как вы к ней пришли?

«Иимпасто» в переводе с итальянского означает «тесто, замес». Это подразумевает, что краска может наноситься на холст достаточно густо, что создает фактурную, выразительную, живописную поверхность. Наносить краску можно кистью, мастихином, шпателем, губкой, да и просто пальцем. Так, кстати, часто делал Ван Гог.

Я считаю, что сама природа масляных красок располагает к живописи импасто. Масло не только допускает нанесение его на поверхность достаточно плотными фактурными мазками, но и после высыхания сохраняет эту фактуру. Акрил, например, не даёт такого эффекта. При высыхании нанесённая фактура значительно сглаживается.

Начав изучать масло и экспериментировать с ним, я пробовал работать в разных техниках. Некоторое время, так сказать, тренировался в гладкописи. Однако скоро понял, что форма и объём мазка очень важны для меня, так как являются, по сути, дополнительными средствами художественной выразительности. В работе я использую самые разные инструменты, однако основным стал мастихин.

Среди художников, работающих в технике «импасто», много известных. Например, Винсент ван Гог. Как вы относитесь к его творчеству?

Мне очень близко творчество Ван Гога. Я хорошо знаю его живопись, биографию. Должен сказать, что растиражированный образ этого художника, занявший прочные позиции в сознании людей, имеет мало общего с настоящим Ван Гогом. Это был человек, глубоко знающий искусство и литературу, яркий мыслитель, оставивший, помимо живописи, выдающееся эпистолярное наследие. Ван Гог состоялся как художник вопреки всем неблагоприятным обстоятельствам своей недолгой жизни, и, я считаю, в первую очередь за счёт несгибаемого характера и колоссального трудолюбия. Он понимал, что создаёт настоящее искусство, а также предполагал, какое влияние его живопись может оказать на художников будущего. Неудивительно, что его живопись стала отправной точкой для возникновения новых направлений изобразительного искусства.

В основном вы пишете пейзажи. Как понимаете, что хотите изобразить именно эту местность?

В поездках и походах всегда нахожусь в поисках новых сюжетов. Ищу интересные объекты, композиции. Не всегда местность на картине выглядит так, как в действительности. Чаще всего картина в той или иной мере отличается от прототипа.

Иногда бывает достаточно мельком увидеть что-то, и сразу понимаешь — вот он, готовый сюжет. Но чаще возвращаешься на одно и то же место несколько раз, понимаешь, что оно тебя привлекает, ищешь композицию, сюжет. Изучаешь с разных точек, при разном свете, разной погоде, чтобы понять, как это будет интереснее выглядеть на холсте. В результате может появиться картина. А может несколько картин. Неоднократно я изображал одни и те же места в разное время суток, при разных погодных условиях. Получаются совершенно непохожие работы.

Кажется, пейзажи статичны. Не бывает ли вам скучно их писать, и как понимаете, что работа над картиной завершена? Часто ли вы их дорабатываете со временем?

Не могу согласиться с тем, что пейзаж всегда статичен. Чаще наоборот: течёт река, движутся по небу облака, восходит или заходит солнце. Всё это — движение, за ним интересно наблюдать в природе и не менее интересно запечатлеть на холсте. Приведу пример. Одна из недавних моих работ — «Река Кучерла. Сила в потоке». Интересно, что название родилось в диалоге со зрителями. Это они заметили и силу, и поток. Значит, пейзаж динамичен, в нём есть энергия и движение. Как понять, что работа над картиной завершена? Это интересный и сложный вопрос. Я считаю, что работа над картиной завершена, когда мне нечего ни добавить, ни убавить, когда работа нравится мне самому, когда считаю, что задуманное реализовано.

Я почти никогда не дорабатываю и не переделываю ранее написанные картины. Пожалуй, могу вспомнить только единичные случаи, когда со временем мог подправить какие-то небольшие детали, настолько незначительные, что сторонний наблюдатель и не заметил бы. Я считаю, лучше вернуться к тому же сюжету ещё раз, чем исправлять старую картину. Зачем? Что сделано, то сделано. Значит, так видел. Таким был уровень мастерства. Сейчас видишь и умеешь иначе — вперёд! Возьми новый холст и создай новую работу.

Вы часто участвуете во всероссийских выставках. А чем, по-вашему, измеряется успех художника?

Считаю, что успех художника — в профессиональном и творческом росте, в поиске своего собственного, я бы сказал, голоса, звучания, того, что называют авторским стилем. Успех — это найти своё место в современном искусстве и продолжать развиваться, экспериментировать, создавать новое. Успех — это когда есть свой зритель, который любит и ценит твое творчество.

Есть люди, далекие от искусства, в частности живописи. Как вы думаете, могут ли они чему-то научиться у художников и если да, то чему?

Я считаю, что от искусства далеки люди, которые не слышат в первую очередь себя, не понимают своих чувств и не могут их выразить. Обращаясь к искусству, они не находят в себе никакого отклика. Думаю, при желании этому можно научиться, наверное, не у художников, а у искусства в целом. Если же говорить про живопись, то даже в Интернете можно найти картины любых жанров и разных художественных направлений. Нужно смотреть и слушать себя на уровне нравится или не нравится. Первая, главная, задача — услышать себя. Вторая — понять, как именно нравится, какие эмоции вызывает. И, возможно, самая сложная задача — выразить свои чувства. Мне всегда интересно читать в комментариях к моим работам, какие именно эмоции вызвала картина. Кому-то она напоминает о детстве, другому — о любимых местах, третий просто поделился, как ему спокойно и хорошо на душе от того, что он смотрит на мою картину. Значит, искусство вызывает отклик в сердцах людей, и это замечательно!

Биография

Александр Валерьевич Петелин живёт и работает на Алтае, в Барнауле. Александр рисует на протяжении всей жизни, использует разные техники. Более семи лет он посвятил живописи маслом. В качестве основы использует, как правило, льняной холст, работает в основном мастихином в технике импасто. Основные сюжеты его работ – пейзажи и цветы. Является членом Евразийского художественного союза, регулярно принимает участие в выставках и конкурсах.

Выставки 2022 года: