Илья Козлов
«По сути, задача автора, как я её вижу, — преодолеть собственную ограниченность, индивидуализм через постижение всей палитры художественных идей современности и нахождение своего места в этой палитре»
Илья, вы родились в семье художников. Каким вам запомнилось детство?
Моё детство прошло в деревне в Ленинградской области. Потом мы перебрались в Приозерск. Мои родители рисовали постоянно — папа акварели делал, в основном на заказ, мама работала над иллюстрациями, я даже позировал ей для набросков к сказкам. Изображал, помню, Нильса, летящего на гусе. Потом тема с иллюстрациями как-то сошла на нет, мама стала гораздо реже рисовать и начала преподавать английский. Папа мне с детства прививал ответственный подход к искусству, объяснял, что нужна смелость и при этом в каких-то моментах тщательность. Нужно уметь сосредотачиваться и добиваться цели. Сам он подолгу работал над каждым графическим листом, добиваясь максимальной проработки. Пример мамы и отца постоянно был перед глазами, кроме того, в доме всегда можно найти много книг с хорошими иллюстрациями, альбомов по искусству — в них творчество Левитана, Шишкина, Леонардо да Винчи. Всё это повлияло на формирование моего эстетического восприятия и выбор дальнейшего пути.
Вы работаете в жанре пейзажа. Вы выбрали его или он вас? Хочется ли хоть иногда написать картину в другом жанре?
Несмотря на опыт в других сферах, когда встал вопрос о выборе профессии, я органически выбрал путь искусства. Это было лет в четырнадцать. Тогда осознанно стал развиваться именно как художник, много пленэрил по окрестностям Приозерска, писал акварелью, а папа смотрел мои этюды и давал советы. Собственно, это стало моей первой школой. Именно с пейзажа началась учёба. На примере простых мотивов с домами, сараями я постигал науку светотени и теплохолодности, стал понимать, что такое холодный рефлекс от неба и почему тень не может быть чёрной или серой. Вообще, пленэр здорово структурировал мою палитру, сделал её достаточно чистой. Когда я поступал в Российский государственный педагогический университет им. А. И. Герцена, у меня уже была приличная стопка неплохих пленэрных акварелей, но, естественно, было куда расти.
За время учёбы я перепробовал разные жанры, разве что историческую картину не писал, но в целом пейзаж остался наиболее близким сердцу и уму. А сейчас как раз такой период, когда я стараюсь плавно выйти из чисто пейзажной тематики, в моих работах всё чаще появляются фигуры людей. Жанровая картина привлекает остротой, выразительностью образов, которую можно достичь, если не уходить в «литературщину». Жанр — это жизнь, человек с его судьбой. Человек одушевляет пейзаж, наполняет его метафизикой смыслов, бытием и сознанием. Мне ближе всего именно поэтический подход, какое бы направление в искусстве мы не взяли. Нравится любование чистой формой, рассказ о ритмах и цвете, передача характера человека и его жизни без «театрализованного рассказа».
Близка жанровая живопись Аркадия Пластова, а также картины Валентина Сидорова, в которых пейзаж и жанровая композиция очень органично сливаются в единое целое. Я тоже экспериментирую в подобном русле. Например, в работе «Последний день зимы» изобразил жену с дочкой, гуляющими в заснеженном пейзаже на Петроградке. Другая работа — «Большой мир. Кош-Агач» — это не совсем жанровая живопись, но всё же здесь есть главный герой. Маленький мальчик наблюдает величественную панораму курайской степи и гор, укутанных в облака. Родное село встаёт перед ним, как необъятный мир, полный загадок. Думаю, через несколько лет я смогу сказать, что у меня появилась настоящая жанровость в работах. Пока это только первые пробы.
Вы живёте в Санкт-Петербурге. Замечаете ли как художник-пейзажист красоту этого города? Какие места, по вашему мнению, особенно достойны кисти, красок и холста?
Я живу непосредственно в самом Петербурге около трёх лет. До этого жил в области и в пригороде. К городу до конца ещё не привык, хотя периодически выбираюсь на окрестные улицы что-то порисовать. Но чаще езжу по области. Приозёрск, моя малая родина, всегда даёт вдохновение своими пейзажами. Там Ладога, Вуокса, скалы, сосны, леса, реки. Я вырос на земле, город рассматриваю лишь как временную пристань. Думаю, что настоящую почву живописец должен искать на природе. Город — всего лишь отражение человеческой культуры, а цивилизация имеет вторичную природу по отношению к природе дикой. В городе интересны социальные процессы, лица, типажи. Но сам город — для гурманов. Я, честно, могу по пальцам пересчитать, кто пишет урбанистику по-настоящему интересно. Мне не очень близка эта тема, хотя встречаю порой много интересных мотивов. Часть из них нашли отражение в моих этюдах.
В окрестностях мне интересен Финский залив. Я прожил недалеко от него, в Комарово, около десяти лет. Также люблю ездить на реку Оредеж. А ещё любимое место — холмы в Парголово, заросшие березами. Да, много красивых мотивов в окрестностях Питера!
Семь лет назад вы окончили магистратуру факультета изобразительного искусства РГПУ им. А. И. Герцена по направлению «Живопись». Чем вам запомнились университетские годы?
В университете я всерьёз почувствовал, что такое конкуренция, потому что до этого развивался как-то больше сам по себе. Ещё я нашёл здесь товарищей-единомышленников, с которыми мы общаемся до сих пор. Вообще, конечно, университет много дал в плане мастерства — на одних сараях и заборах я бы далеко не уехал. Школа нужна в любом случае. Советы отца и во время учёбы в университете много мне помогали, но я уже стал прислушиваться и к другим мастерам, потому что у каждого своя специфика, каждый имеет свой багаж. Университет Герцена не считается сильной школой, но это скорее издержки самой учебной программы, просто мало часов даётся на живопись и рисунок. А педагоги у нас замечательные, почти все с академическим образованием, отличные художники. Тот, кто хочет, я считаю, возьмёт нужные знания. А остальное — дело самодисциплины и усердной работы. Конечно, я мог бы перепоступить в Санкт-Петербургскую академию художеств имени Ильи Репина, потеряв несколько лет, но не стал этого делать. Предпочел окончить университет Герцена и свободно развиваться как художник. В целом я не жалею о своём выборе.
У каждого преподавателя свой подход к обучению. Какой из них оказался ближе вам?
В университете Герцена мне очень помогли советы нашего декана Владимира Арсентьевича Кузьмичёва. Ученик Андрея Андреевича Мыльникова, он строго относился к рисунку, настаивал на дисциплине в решении творческих задач, на остроте композиционных решений. Часто заходил к нам в аудитории и давал взвешенные, немногословные советы, которые настраивали на поиск в нужном направлении. Меня он буквально вытащил на творческую стезю, дал понимание, что такое композиционный пейзаж, как работать с маслом. Помню, я ходил вместе с одним старшекурсником по коридорам и что-то бренчал на реквизитной гитаре, именно тогда декан сказал слова, которые мне запомнились: «Песню знаешь? Сначала самолёты, а девушки потом. Иначе так и будешь ходить бренчать». Своими первыми успехами, я считаю, полностью обязан Владимиру Арсентьевичу. Также вдохновлял его пример неутомимого труженика — в перерывах между административными делами он умудрялся выкраивать время и работал над картинами прямо у себя в кабинете, в костюме и галстуке, рядом с обитым красным сукном длинным столом.
Первая выставка — «Молодость Петербурга» в 2014 году — событие, несомненно, важное, серьёзное. А вы ещё и стали лауреатом! Какие работы могли увидеть посетители, какие отклики вы слышали от них?
Выставка «Молодость Петербурга» от Союза художников СПб — ежесезонная молодёжная выставка, раньше она проводилась дважды в год (сейчас один раз). «Молодёжка» стала для многих, в том числе и для меня, очень важным выставочным опытом в плане понимания своих сил и возможностей, своего места среди творческой молодёжи Питера. Для кого-то это вообще была единственная возможность выставиться, заявить о себе. Я участвую в «молодёжке» уже десять лет, с 2013 года, а в 2014 году стал лауреатом за серию картин «Лето в Приозерске». Тогда я учился на четвёртом курсе университета Герцена. Работы действительно получились неплохими, и для меня это был большой прорыв на тот момент. Сейчас все три работы находятся в Китае в частных коллекциях. Но, я думаю, не стоит заострять внимание на том отдельном случае — для меня важнее сам процесс, чем единичное событие. Рассматриваю все свои достижения только как совокупный опыт движения в какую-то сторону. Кроме того, думаю, что лауреатство тогда носило, скорее, поощрительный характер, ведь мой педагог по живописи Михаил Борисович Лавренко, у которого я тогда учился, имел определённый вес в Союзе и, полагаю, замолвил слово за меня.
В 2015 году вы стали призёром международной выставки-конкурса «Российская неделя искусств». Какие эмоции у вас возникли, когда объявляли победителей?
Выставка «Российская неделя искусств — коммерческий проект, и сейчас я не рассматриваю свои победы там, а их было несколько, как что-то серьёзное. Скорее, пишу их в список для общего количества достижений в резюме. Да, на тот момент мне было интересно попробовать свои силы в таком формате, но в целом я быстро убедился, что настоящей конкуренции там немного. Поэтому не скажу, что это стало какой-то значимой ступенью в моём выставочном опыте.
Вы участвуете в выставках Союза художников Санкт-Петербурга: выездной, в Поволжье, «Берега мечты», и коллективной «Алтай».
Выставка «Берега мечты» стала приятным сюрпризом для меня, поскольку мою работу тогда отобрала для участия выставочная комиссия нашего питерского Союза художников — тогда я только-только вступил в ряды членов СХ. В числе других сильных и уважаемых мною художников я стал участником выездной выставки в Поволжье. Участвовал с небольшой, 60х100 см, работой, посвященной родному Приозерску. Такие моменты запоминаются и воспринимаются как своего рода признание в профессии, помогают смелее двигаться дальше.
Коллективная выставка «Алтай» — это, можно сказать, наш с друзьями частный проект, который мы реализовали благодаря поддержке Союза художников. Дело в том, что, начиная с 2018 года, мы с компанией художников-единомышленников организуем дружеские пленэры и ездим по стране. В 2021 году побывали на Алтае и по материалам поездки написали серию работ, которая и была представлена на выставке в залах питерского СХ на Большой Морской весной 2022 года. Выставка «Алтай» получилась достаточно яркой и резонансной, многие зрители очень тепло откликнулись, для многих Алтай стал настоящим откровением. Кого-то эта выставка даже побудила поехать на Алтай, чтобы увидеть всю красоту своими глазами!
В этом году, весной, состоялась наша вторая коллективная выставка, также в залах Союза, посвященная Валааму. Вообще наш творческий проект «Свободные пленэрщики», который я во многом курирую, — важная часть моей жизни. Здесь я вижу много перспектив для саморазвития и взаимодействия с новыми творческими людьми. Наша группа в «ВКонтакте» постоянно растёт, приходят новые художники. У нас есть чаты, в которых состоят художники из Питера и других городов со всей страны. Периодически мы организуем дружеские пленэры и ездим в красивые места — Архангельскую область, Урал, Карелию, Алтай, на очереди Байкал и Владивосток. Сейчас я и моя семья собираемся перебраться на Алтай, чтобы создать там творческую резиденцию. По задумке, это поможет объединить творческих людей в красивом месте, создать среду для взаимной поддержки и учёбы друг у друга.
Немало было и персональных выставок. Их организовывать сложнее или легче? Как поверить в то, что ты достоин показывать только свои работы аудитории?
Все мои персональные выставки, их около десяти, были проведены в библиотеках Санкт-Петербурга. Я не думаю, что есть какие-то сложности с организацией таких выставок, поскольку библиотеки всегда рады, когда художники украшают своими работами библиотечные залы. Зрители приходят из соцсетей (делаю анонсы), также на выставку заглядывают постоянные посетители библиотек. Персональных выставок в большом формате я не проводил, поэтому не могу говорить всерьёз о подобном опыте. По факту, моя основная выставочная площадка — это соцсети. Именно там, в основном, выставляю все свои работы, нахожу зрителей и покупателей.
Интересно, что вы не только художник, но и поэт. Свет увидели две ваших книги. О чём ваши произведения, что хотите донести до читателей?
Поэзия в моей жизни не занимает главное место. Всё-таки технически живопись — очень времяёмкое дело, оно отнимает практически всё моё время. Несколько лет, начиная со школы, я активно писал стихи, а в 2018 году был принят в Союз писателей по итогам молодёжной конференции. Важную роль в моём становлении как поэта сыграли Владимир Иванович Аксёнов, приозёрский поэт, историк, прозаик, а также поэт, председатель секции поэзии Союза писателей Ирэна Андреевна Сергеева. Сейчас почти не пишу стихи, отдавая всю свою энергию живописи и продвижению в соцсетях.
Если говорить о тематике моих стихотворений, то в основном это пейзажная, философская, любовная лирика, стихи о самоощущении человека, оторванного от природы, или, наоборот, вернувшегося на родную землю. Характер моих стихов могу резюмировать словами из своего же стихотворения:
«Я боюсь иногда, что любви не отыщется места,
Что для радостных чувств стала грудь непригодным жильём,
И хватаюсь тогда за палитры из слов неизвестных,
И пишу на бумаге пустое пространство своё».
Однако это пространство — не пустота беспамятства, наоборот, это простор памяти, лишённый маркеров повседневности и суеты. Впрочем, читатель сам сможет увидеть свои смыслы при прочтении моих стихов. Как сказал один поэт: «О поэзии не рассказывают, её либо чувствуют, либо нет». А я как раз стремлюсь создавать именно поэзию — и словом, и в живописи. Насколько это удаётся — судить читателю и зрителю.
Участвуете ли вы со стихами в читках, открытых микрофонах, поэтических вечерах, фестивалях? Что вам ближе — стихи произнесённые или написанные
Да, я участвую периодически в различных поэтических событиях, в основном от Санкт-Петербургского отделения Союза писателей России. Союз организует различные фестивали, поэтические вечера, встречи, семинары, заседания секции поэзии с критическим разбором авторов. Есть молодёжная группа. Конечно, я очень неактивный участник, но когда участвую, мне всегда интересно. Ездил в 2019 году в Сербию на фестиваль поэзии в Нови-Саде, а также на писательскую конференцию в Калуге. Поездки вспоминаются как насыщенные, наполненные смыслами и встречами события. Также читал стихи на поэтических вечерах, организованных Союзом писателей и в чтениях на «Книжных аллеях». Стихи публиковались в литературных альманахах «Ладога» и «Невский альманах». В юношестве за плечами участие в двух поэтических конкурсах и регулярная публикация в местной приозёрской газете «Красная звезда».
По поводу произнесенных или написанных стихов могу сказать, что они, конечно, по-разному воспринимаются, но в современном контексте именно озвученное слово, скорее, доходит до сердца читателя. Сейчас такое обилие книг, что о многих талантливых авторах мы просто никогда не узнаем, если будем искать их на книжных прилавках. Живые выступления запоминаются гораздо ярче, чем прочитанные в книге строки, вызывают живой отклик, интерес. Если бы я был поэтом «на полную ставку», то, конечно же, постоянно выступал бы со сцены, как это делали в своё время многие известные поэты, такие как Маяковский, Есенин, Ахматова. Я даже задумываюсь о соединении музыки и поэзии. Экспериментирую с электронной музыкой. Возможно, удастся сделать что-то интересное в этом направлении, придав стихам новое звучание.
Поделитесь, пожалуйста, рецептом хорошей картины и поэзии. Как понять, что именно эта работа достойна внимания?
Думаю, нет рецепта «правильной» или «хорошей» картины, любая картина — путь души. Есть более или менее удачные работы, всё зависит от многих факторов. Настоящая удача в живописи — это вдохновение, я думаю. Когда сюжет накладывается на потребность что-то высказать, то реальность отвечает на глубинный запрос художника. Тогда происходит почти моментальное рождение образа. Бывает иначе — образ приходит из натуры, как бы навязанный извне. С такими образами часто сложнее работать, они требуют осмысления. Про достойную работу вопрос неоднозначный, смотря как оценивать. Для меня этот вопрос стоит несколько иначе: «А что я могу почерпнуть для себя полезного из каждого увиденного произведения?». В таком ракурсе любая работа становится достойной внимания, потому что художник фактически всегда может учиться у самого себя и других авторов, заряжаясь вдохновением или осмысливая те моменты, которые ему кажутся удачными в чужих работах. По сути, задача автора, как я её вижу, — преодолеть собственную ограниченность, индивидуализм через постижение всей палитры художественных идей современности и нахождение своего места в этой палитре. Только тогда, я убежден, может родиться исторически и художественно целесообразное произведение, которое будет отвечать на актуальные запросы общества и останется в истории искусств.
Биография
Илья Козлов — художник-живописец, пейзажист, член Союза художников России. Родился в Санкт-Петербурге в семье художников. В 2016 году окончил магистратуру факультета изобразительного искусства РГПУ им. А. И. Герцена по направлению «Живопись». В настоящее время живёт и работает в СПб. Илья — член Союза писателей России, выпустил две книги стихов. Постоянный участник выставки «Молодость Петербурга», лауреат 2014 года. Призёр международной выставки-конкурса «Российская неделя искусств» (2015 г.). Участник Всероссийской выставки-конкурса «Муза должна работать», выездной выставки «Берега мечты» (2017 г.) от Союза художников СПб в Поволжье. Автор нескольких персональных выставок в библиотеках Санкт-Петербурга, в Приозерске (2021), а также персональной выставки в Доме писателя СПб (2022). Участник коллективных выставок «Алтай» и «Валаам» в Союзе художников СПб.
Галерея
